Clasicismo
(1750- 1800)
ÍNDICE
1.Contexto Histórico
2.Contexto Cultural
3.Contexto Musical
3.1
Armonía
3.2
Melodia
4. Instrumentos
5. Música Instrumental
6. Ópera Seria
7. Opera Buffa
8. Clasicismo en España
9. Autores y obras importantes
10. Análisis de una obra
1. CONTEXTO HISTÓRICO
Es la época de
la ascensión de la burguesía a amplios sectores del poder político y económico,
lo cual tendrá consecuencias en el mundo de la cultura y de la música. En la 2ª
mitad del siglo XVIII se van a dar una serie de acontecimientos históricos
importantes y reformas sociales que darán lugar a violentos movimientos de
masas, destacando entre ellos "La Revolución Francesa" de 1789, hecho
que romperá con las monarquías absolutas. El lema revolucionario de
"Libertad, Igualdad y Fraternidad" será llevado a todos los
contextos, también al de la música.
2. CONTEXTO
CULTURAL
El Clasicismo
es la época de la Ilustración, un movimiento intelectual promovido por la
burguesía y la pequeña nobleza, cuya principal manifestación fue La
Enciclopedia de Diderot y D'Alambert que divulgará la cultura en amplias capas
de la población. En Francia, al movimiento de la Ilustración se le denomina
Enciclopedismo. Este movimiento encabezará la Revolución Francesa.
Los artistas,
encontrarán en la burguesía un nuevo público que paga por apreciar sus obras y
al que debían satisfacer con creaciones entretenidas y naturales; de esta forma
se van liberar poco a poco de las obligaciones de trabajar supeditados al gusto
de los mecenas, obteniendo así una mayor independencia creativa pero contando
con el reto de tener que depender del público para rentabilizar sus ingresos.
3. CONTEXTO MUSICAL
La música irá
abandonando los círculos eclesiásticos y palaciegos para desenvolverse en casas
privadas de la burguesía y en espectáculos públicos.
En este periodo
se produce una vuelta a los ideales de la cultura clásica grecorromana, basados
sobretodo en el equilibrio, la sencillez y la belleza (dejando atrás el estilo
recargado del Barroco); por ello, en el resto de las artes se conoce a este
periodo como "Neoclasicismo". No sucede esto con la música, ya que no
pueden copiar los modelos clásicos porque no nos han llegado; sin embargo, sí
van a compartir la búsqueda de la belleza y la perfección formal.
Entre los
precursores de la música de este periodo podemos nombrar a los tres
compositores que se van a convertir en las grandes figuras de este periodo son
Haydn, Mozart y Beethoven, que trabajarán en Viena, ya que ésta es considerada
la ciudad más importante dentro del contexto musical.
Los
compositores de este periodo orientan su música hacia un equilibrio basado en
la proporción y el orden, una claridad que se transmite a través de melodías y
armonías simples y una sencillez que permite al oyente una gran facilidad de
comprensión. Estos son los tres ideales de la música del Clasicismo, que quedan
plasmados en una nueva forma de componer.
La música de
esta época es refinada, elegante, contenida y equilibraba. Para lograr una
música de estas características los compositores trabajarán sobre todo dos
aspectos:
3.1 ARMONÍA
En el
Clasicismo se suprime el bajo continuo tan usado en el periodo anterior. Se
siguen desarrollando los principios armónicos que se habían establecido en el
Barroco tardío. Las funciones tonales (tónica, subdominante y dominante)
organizan toda la obra.
3.2
MELODÍA
Las melodías de
Barroco adoptan estructuras irregulares. Por el contrario, en el Clasicismo se
ajustan a una estructura ordenada y regular. La melodía se articula en una
frase bien diferenciada de un nº determinado de compases. Siguiendo el
principio de proporción, cada frase puede dividirse en partes de igual duración
respetando la simetría. Los compositores buscan concentrar todo el interés en
la melodía principal. Las otras voces tienen un papel de acompañamiento, de
soporte armónico
4. INSTRUMENTOS
Algunos instrumentos surgen en este periodo como el fortepiano; el Arpeggione y el clarinete.
Si bien la mayoría de los instrumentos sinfónicos ya existían desde el Barroco,
muchos de ellos cambian y se adaptan a los nuevos requerimientos estilísticos y
de composición de la época. Mientras surgen nuevos instrumentos y se desarrollan
los que ya existían otros pierden vigencia casi hasta su extinción: viola da
gamba,clavicordio, dulzaina, flauta dulce (volverá a renacer en el siglo XX),
bajón, laúd, etc.
Los
fortepiano: son unos instrumentos
musicales de cuerda percutida
con teclado,
instrumento intermedio entre el clavicordio
y el piano
del siglo XIX.
Según algunos autores, hay que distinguir el fortepiano de su sucesor el piano-forte
(piano actual).El fortepiano se impuso sobre el
clave de tal forma que pasó a ocupar un lugar central en la música de cámara e
incluso conciertos solistas. Esto se profundiza aún más en el Romanticismo, con
la aparición del pianoforte romántico.
El
arpeggione es un instrumento
musical derivado de la viola da gamba,
hermano del violoncello
(por la forma) y de la guitarra
(por sus seis cuerdas), inventado en 1823 por un luthier vienés, Johann Georg
Staufer.
Clarinete: Instrumento musical de viento, compuesto de un tubo
cilíndrico con agujeros que se tapan con los dedos o con llaves, boquilla en la
que se aplica una lengüeta de caña, y pabellón en forma de campana.Una de las grandes aportaciones del
Clasicismo fue la mejora e incorporación del clarinete a la orquesta. Este
instrumento de viento fascinó a Mozart, que compuso para él uno de sus más
bellos conciertos.
Otros
instrumentos, sobretodo los de viento, mejorarán sus posibilidades ya que serán
mejorados técnicamente por los constructores. Esto permitirá ampliar registros,
mejorar timbres,…
Instrumentos de
viento metal
Trompa:
Instrumento de viento metal, con boquilla cónica, un largo tubo también cónico,
estrecho y enrollado sobre sí mismo en forma circular y que acaba en un ancho
pabellón.
Trombón:
Instrumento musical de viento, de gran flexibilidad sonora. Hay 2 tipos de trombones:
trombón de pistones, aquel en que la variación de notas se obtiene por el
juego-combinación de tres pistones; trombón de varas, aquel en que la variación
de notas se obtiene gracias al movimiento de un tubo movible que puede
modificar la longitud del instrumento.
Instrumentos de
viento madera
Oboe:
Instrumento musical de viento, formado por un tubo cónico de madera, con
agujeros y llaves, dividido en tres piezas, se toca con una embocadura de caña,
y es de timbre áspero en las notas graves y muy tenue y delicado en las agudas
Fagot:
Instrumento musical de viento, formado por un tubo de madera, que se toca con
una boquilla de caña puesta en un tudel encorvado. Su sonoridad característica
se combina con excelente efecto al de otros instrumentos.
Instrumentos
de cuerda
Violín: Por su
sonoridad y perfeccionada técnica constituye el instrumento más importante de
la orquesta. Instrumento musical de cuerda y arco, el más pequeño y agudo de
los de su clase.
Composición de una orquesta respecto al barroco
Poco a poco
desaparecen sonoridades típicamente barrocas: clarinos, flautas de pico,
laúdes, oboes d´amor o da caccia y los
miembros de la familia de las violas. Se introduce el clarinete, instrumento de
lengüeta simple descendiente del chalumeau.
Ya se había utilizado de manera intermitente en la primera mitad del siglo
XVIII, pero no será hasta época preclásica cuando este instrumento se incorpore
a la plantilla fija de la orquesta. Mozart, a finales de siglo, abre
definitivamente el camino a este instrumento con su obra Concierto para clarinete en la mayor. Desaparece de la orquesta el
órgano, el clavicémbalo se ve sustituido por el fortepiano. En la orquesta del
clasicismo, las trompas y las trompetas pasaron a ocupar el papel de pedales de
la orquesta, con lo que el bajo continuo vio disminuido su papel de forma
progresiva hasta desaparecer.
5.
MÚSICA INSTRUMENTAL
Sonata:
Forma musical para uno, dos o tres instrumentos, consta
normalmente de cuatro movimientos (allegro, adagio, minueto y final) , en los
que tiene forma de sonata la primera parte y a veces la última.
Sinfonía:
Obra creada para orquesta que está compuesta por cuatro
movimientos, allegro, andante, minueto y presto. Viena fue la ciudad en la que
más se desarrollaron este tipo de obras.
Concierto:
Composición musical para varios instrumentos en la que uno
o varios instrumentos llevan la parte principal.
Música
de cámara: Es aquella compuesta para un
grupo reducido de instrumentos, en contraposición a la música de orquesta. Relegada
hasta entonces a los salones de la aristocracia, la música de cámara comenzó
poco a poco a difundirse en pequeñas salas de concierto y casas particulares.
esto es provocado por el acceso de la burguesía a la práctica instrumental y
también porque era más económico que una orquesta.
6.
ÓPERA SERIA
A mediados del
siglo XVIII, y especialmente en Francia, la ópera seria había alcanzado una
gran complejidad y artificiosidad: los argumentos sobre temas mitológicos eran
demasiado sofisticados y difíciles de
entender, los cantantes se inventaban partes enteras debido a la complejidad de
las arias. Esto hacía que el público cada vez estuviese más descontento con
este tipo de ópera.
En 1752 se
produjo un cambio, ya que una compañía ambulante de ópera se instaló en París y
presentó la famosa ópera bufa de Pergolesi "La serva padrona". Su
éxito fue muy grande, hasta tal punto que se crearon dos bandos, uno que va a
defender este tipo de ópera y otro que va a estar en contra. A este enfrentamiento
se le conoce como "La querella de los bufones".
En una lado
estarán los que defendían la tradición de la ópera seria francesa, mucho más
elaborada que la bufa italiana, a la que acusaban de frívola y superficial.
Encabezaba este grupo Rameau. En el otro bando, estaban los defensores de la
nueva ópera que había llegado desde Italia, la cual consideraban que se
ajustaba mejor a los ideales del Clasicismo de sencillez y claridad. Era mucho
más fácil de entender para todo tipo de público, ya que sus argumentos eran mucho
más cercanos al pueblo y además destacaban por la belleza de sus melodías. Al
frente de este grupo estaba Rousseau y algunos otros enciclopedistas.
En este
contexto de enfrentamiento surgió la figura de W.C. Gluck, que buscó la
reconciliación de ambos grupos, realizando una reforma de la ópera seria para
que se acercase más a lo que el público pedía. En el prefacio de su ópera
"Orfeo y Eurídice" expone los principios de la reforma que la ópera
seria debía adoptar, que se resumen en los siguientes puntos:
- Utilizar música sencilla, dejando de
lado la complejidad a la que había
llegado la
ópera seria.
- Evitar los contrastes entre recitativo y aria
haciendo las arias más
simples y los recitativos más expresivos.
- El argumento debe ser más sencillo y
verosímil, desechando los elementos fantásticos y artificiales de Barroco.
- La música debe estar siempre al servicio del
libreto y de los personajes.
- Bajo estos parámetros se va a componer la
mayor parte de la ópera seria en Europa
7.ÓPERA BUFA
Es en esta
época cuando la ópera bufa va a ganar importancia gracias, sobretodo a la
llegada de la burguesía al poder. En Nápoles era habitual intercalar fragmentos
cómicos entre los diferentes actos de las óperas serias. Estos fragmentos se
fueron desarrollando y acabaron independizandose, dando lugar a un género nuevo
llamado ópera bufa. Esto sucedió a finales del Barroco y principios del
Clasicismo.
Pronto se convirtió en el género preferido del
público, que tomará el modelo de la Serva Padrona de Pergolesi y alcanzará su
máximo esplendor en las óperas de W.A. Mozart. A pesar de utilizar las mismas
características musicales que la ópera seria, la ópera bufa contaba con algunas
particularidades:
Los argumentos
recogen temas de la vida cotidiana, dándoles un carácter cómico y en ocasiones
sentimental.
Utilizan el
idioma de cada país y en ocasiones sustituye los recitativos por partes
habladas.
Los dúos y los
conjuntos vocales se fueron haciendo cada vez más habituales.
En los finales
de acto los personajes entraban de manera gradual, de forma que la tensión iba
en aumento y se resolvía cuando todos cantaban al final.
El lenguaje que
utilizaban era asequible, sin grandes grandilocuencias.
Se trata por lo
tanto de una ópera mucho más fresca y alegre que la seria.
8. CLASICISMO EN ESPAÑA
A diferencia del resto de Europa en
España, la vida musical sigue limitada bajo el dominio de la iglesia y la
influencia italiana de los Borbones
En el ámbito de la ópera continúa la
influencia de la ópera italiana como compositor más importante tenemos a Juan
Crisóstomo de Arriaga un compositor vasco de
música clásica apodado el “Mozart Español” o "Mozart Vasco", debido a
las grandes dotes musicales que presentaba ya desde niño, al igual que Mozart, así
como a su prematura muerte con tan solo diecinueve años de edad.
La música para guitarra tendrá gran
protagonismo con la publicación de varios tratados para aficionados
-
ZARZUELA: Muchos
compositores españoles tuvieron que dedicarse a componer zarzuelas de temas
populares y costumbristas y carácter cómico
-
TONADILLA ESCÉNICA: Se
parece a la zarzuela pero con una menor duración. Se solía intercalar en los
intermedios de las obras de teatro cómicas
Los compositores que trabajaron en esta
época en España lo hicieron al servicio de reyes, príncipes o nobles.
Los autores más importantes del
clasicismo español fueron:
Luigi Boccherini. Fue un compositor y
chelista Italiano establecido
en Madrid en 1769.Donde recibió el
calificativo de compositor y virtuoso de cámara,
Fernando Sor. Fue un compositor y
guitarrista nacido en Barcelona. Se le conoce a veces como el Beethoven de la
guitarra en España.En 1808 pasó a escribir música nacionalista debido a la
invasión de España de Napoleón Bonaparte.
9. AUTORES Y OBRAS IMPORTANTES
Los
compositores más destacados del clasicismo son:
- BEETHOVEN, Ludwig van
- BOCCHERINI, Luigi
- GLUCK, Christoph W.
- HAYDN, Franz Joseph
- MOZART, Wolfgang Amadeus
Wolfgang A.
Mozart.
Compositor
austriaco. Nacido en Austria el 27 de enero de 1756. Hijo del violinista y
compositor Leopold Mozart, Wolfgang Amadeus fue un niño prodigio que a los
cuatro años ya era capaz de interpretar melodías sencillas y de componer
pequeñas piezas. Junto a su hermana Nannerl, cinco años mayor que él y también
intérprete de talento, su padre lo llevó de corte en corte y de ciudad en
ciudad para que sorprendiera a los auditorios con sus extraordinarias dotes.
Mozart decidió
abandonar en 1781 esa situación de servidumbre para intentar subsistir por sus
propios medios, como compositor independiente, sin más armas que su inmenso
talento y su música. Mozart fracasó en el empeño, pero su ejemplo señaló el
camino a seguir a músicos posteriores como Beethoven o Schubert.
Tras afincarse
en Viena, su carrera entró en su período de madurez. Las distintas corrientes
de su tiempo quedan sintetizadas en un todo homogéneo, que si por algo se
caracteriza es por su aparente tono ligero y simple, apariencia que oculta un
profundo conocimiento del alma humana.
Las Obras
Maestras se sucedieron: en el terreno escénico surgieron los singspieler El
rapto del serrallo y La flauta mágica, partitura con la que Mozart sentó los
cimientos de la futura ópera alemana, y las tres óperas bufas con libreto de
Lorenzo Da Ponte, Las bodas de Fígaro, Don Giovanni y Così fan tutte, en las
que superó las convenciones del género.
No hay que
olvidar su producción sinfónica, en especial sus tres últimas sinfonías, en las
que anticipó algunas de las características del estilo de Beethoven, ni sus
siete últimos conciertos para piano y orquesta. O sus cuartetos de cuerda, sus
sonatas para piano o el inconcluso Réquiem. Todas sus obras de madurez son
expresión de un mismo milagro. Su temprana muerte constituyó, sin duda, una de
las pérdidas más dolorosas de la historia de la música.
Beethoven
Compositor
alemán que nació en el año 1770. Creció en el seno de una familia de origen
flamenco, su padre, ante las evidentes cualidades para la música que demostraba
el pequeño Ludwig, intentó hacer de él un segundo Mozart, aunque con escaso
éxito.
La verdadera
vocación musical de Beethoven no comenzó en realidad hasta 1779, cuando entró
en contacto con el organista Christian Gottlob Neefe, quien se convirtió en su
maestro. Él fue, por ejemplo, quien le introdujo en el estudio de Bach, músico
al que Beethoven siempre profesaría una profunda devoción.Miembro de la
orquesta de la corte de Bonn (Alemania) desde 1783, en 1787 Ludwig van
Beethoven realizó un primer viaje a Viena con el propósito de recibir clases de
Mozart. Sin embargo, la enfermedad y el posterior deceso de su madre le
obligaron a regresar a su ciudad natal pocas semanas después de su llegada.
En 1792
Beethoven viajó de nuevo a la capital austriaca para trabajar con Haydn y
Antonio Salieri, y se dio a conocer como compositor y pianista en un concierto
que tuvo lugar en 1795 con gran éxito. Su carrera como intérprete quedó
bruscamente interrumpida a consecuencia de la sordera que comenzó a afectarle a
partir de 1796 y que desde 1815 le privó por completo de la facultad auditiva.
La Sinfonía n.º
1 en do mayor, op. 21, es la primera de las nueve sinfonías de Ludwig van
Beethoven. Fue compuesta en Viena entre los años 1799 y 1800 y fue dedicada al
barón Van Swieten, melómano y amigo de Wolfgang Amadeus Mozart. No se sabe con
exactitud cuando Beethoven terminó de componer la obra, pero los esbozos del
último movimiento fueron fechados en 1795.1
Está escrita
para una orquesta formada por cuerdas, dos flautas, dos oboes, dos clarinetes,
dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y percusión.
La Primera
sinfonía es de alguna manera una introducción a todo lo que escribirá Beethoven
más tarde: explora en efecto numerosos horizontes a menudo contrastados. Así,
se define sucesivamente como lírica y serena (en los dos últimos movimientos),
sombría y apasionada (en la introducción lenta), tensa y dramática (en la
Allegro inicial), y con patetismo (en el movimiento lento). Parece por otro
lado ser una premonición de los movimientos lentos de las sinfonías Tercera y
Séptima. Para el final se inspiró en Haydn, cuya influencia se hace más
evidente en las ejecuciones rápidas; de hecho, el movimiento más innovador de
esta obra es el tercero, que es un scherzo, vivo y ligero, el cual usaría
Beethoven de ahí en adelante en lugar del minueto tradicional.
Joseph Haydn
Fue un compositor austriaco. Nacido en
Austria el 31 de marzo de 1732. Es uno de los máximos representantes del
periodo clásico, además de ser conocido como el «padre de la
sinfonía» y el «Padre del cuarteto de cuerda» gracias a sus importantes
contribuciones a ambos géneros.
También contribuyó en el desarrollo instrumental del trío con piano
y en la evolución de la forma sonata.
Vivió durante toda su vida en Austria y desarrolló
gran parte de su carrera como músico de corte para la rica y aristocrática
familia Esterházy
de Hungría.
Aislado de otros compositores y tendencias musicales hasta el último tramo de
su vida, estuvo, según dijo, «forzado a ser original».4
En la época de su muerte, era uno de los compositores más célebres de toda Europa.5
Era hermano de Michael,
que también fue considerado un buen compositor, y de Johann Evangelist,
un tenor.
Tuvo una estrecha amistad con Wolfgang Amadeus
Mozart, del que incluso se cree que llegó a ser
mentor, y fue profesor de Ludwig van
Beethoven. La lista completa de las obras del compositor se
puede consultar en el catálogo Hoboken,
sistema de
ordenación creado por Anthony van Hob.
Una característica fundamental en la música de Haydn
es el desarrollo de estructuras más grandes en lugar de motivos
muy cortos y simples, a menudo derivadas de las figuras de acompañamiento
habituales. La música es con frecuencia concentrada de manera bastante formal y
las partes importantes de un movimiento
pueden desarrollarse rápidamente.
La inventiva formal de Haydn también lo llevó a
integrar la fuga
en el estilo clásico
y a enriquecer la forma rondó
con más cohesión tonal lógica. Haydn fue también el principal exponente de la
forma doble variación(variaciones
alternas sobre dos temas, que a menudo son los principales y en menor medida
versiones el uno del otro).
10.
Análisis de una Obra
La Sinfonía nº 40 en Sol menor Kv 550 de Mozart fue
compuesta en verano de 1788 junto con la Sinfonías 39 y 41. De un total de 41 sinfonías, la nº
40 y la
nº 25, también en Sol menor, son las dos únicas obras en modo menor que compuso el compositor austriaco para el género sinfónico.
Su orquestación tiene
dos versiones: en la primera la orquesta
clásica, sin trompetas y timbales, está formada por la sección de cuerda con una flauta, dos oboes, dos fagotes y una
trompa en Sib y otra en Sol . En la
segunda versión Mozart reescribe la
parte de oboes e incorpora dos clarinetes.
Su estructura en 4
movimientos sigue los convencionalismos típicos de su época:
El primer movimiento, contiene las características típicas de la Forma
sonata, con un desarrollo extenso
basado en el motivo inicial del tema
principal que se combina con un pasaje de ritmo continuo de corcheas.
Su tema inicial se puede
escuchar con todo tipo de detalles en el siguiente video.
El tema secundario
contiene sutilezas orquestales en los cambios entre cuerdas y madera que dan un
color único a una melodía de carácter cromático. (b1).
El siguiente video
muestra sus diseños y detalles más importantes.
El segundo movimiento (Andante), también con Forma sonata, se inicia con una textura
imitativa que, de agudo a grave, asciende en la sección de cuerdas, con ayuda
de las trompas, tal como se observa en el siguiente video.
El tercer movimiento es un
Minueto que con sus típicas hemiolias que
genera juegos rítmicos que contrastan con la sencillez del Trío.
Con el cuarto movimiento, también en Forma Sonata, se culmina y concluye toda la
sinfonía.
