ÍNDICE
1.
Impresionismo
1.1 Música impresionista
1.1.1 Contexto histórico
1.1.2 Características
1.1.3 Instrumentos
1.1.4 Finalidad
1.1.5 Autores y obras
1.1.6 Música impresionista en España
1.1.7 ¿Dónde se representaba?
2.
Romanticismo
2.1 Características
2.2 Contexto
2.3 Etapas
2.4 Fines y objetivos
2.5 Estilo musical
2.6 Instrumentos y cantantes
2.7 ¿Dónde se representaba?
2.8 Grandes obras y autores
2.9 Romanticismo en España
IMPRESIONISMO
El Impresionismo es un movimiento pictórico que surge en
Francia a finales del S. XIX en contra de las fórmulas artísticas impuestas por
la Academia Francesa de Bellas Artes.
Por su aporte
innovador en el arte, el impresionismo es considerado como el precursor de las
artes contemporáneas.
El objetivo de los impresionistas era conseguir una
representación del mundo espontánea y directa.
El impresionismo parte del análisis de la realidad; se
quiere que la obra reproduzca la percepción visual del autor en un momento
determinado. Se centrarán en los efectos que produce la luz natural sobre los
objetos y no en la representación exacta de sus formas. Ven colores que
conforman cosas, y esto es lo que plasman, formas compuestas por colores que
varían en función de las condiciones atmosféricas y de la intensidad de la luz.
Todo esto hace que elaboren una serie de un mismo objeto en diferentes
circunstancias atmosféricas y temporales, no les importa el objeto, sino las
variaciones cromáticas que sufre éste a lo largo del día.
Los impresionistas eliminaron los detalles minuciosos y
tan sólo sugirieron las formas, empleando para ello los colores primarios y los
complementarios. Consiguieron ofrecer una ilusión de la realidad aplicando
directamente sobre el lienzo pinceladas de color cortas y yuxtapuestas.
Las figuras principales del movimiento fueron: Eduard Manet, Degas, Claude Monet, Auguste
Renoir, Morisot, Pisarro y Sisley.
MÚSICA IMPRESIONISTA
La música
impresionista es la tendencia musical que surgió en Francia a finales del siglo
XIX. El nombre Impresionismo ya se usaba antes para denominar a la pintura de
los años 1860 - 1870, ya que las características de ambas artes eran muy similares.
Esta tendencia comparte período con el Romanticismo y se adelanta al
Nacionalismo.
INTRODUCCIÓN HISTÓRICA
● En el último tercio del siglo XIX se pone de moda
en Francia el arte asiático y musulmán, el cual había contribuido a regenerar
la música occidental.
La Viena de finales del siglo XIX y
principio del XX ( hasta 1914) fue un auténtico foco de la cultura europea
central. De 1914 a 1918 Viena atraviesa uno de los períodos más sombríos de su
historia. Comienza su declive debido a la Primera Guerra Mundial.
● En España, la Desamortización de Mendizábal
(1820-1823) fue perjudicial para la infraestructura musical. Las grandes formas
musicales del Romanticismo, no triunfaron en nuestras tierras. A partir de 1915
empieza a resurgir la música en España, hasta 1936 cuando empieza la Guerra
Civil Española (1936-1939). La desamortización fue un largo proceso histórico,
económico y social iniciado en España a finales del siglo XVIII por Godoy
(1798) y cerrado ya muy entrado el siglo XX (16 de diciembre de 1924).
Consistió en poner en el mercado, mediante una
subasta pública, las tierras y bienes no productivos en poder de las llamadas
«manos muertas», es decir la Iglesia Católica o las órdenes religiosas y
territorios nobiliarios, que los habían acumulado como habituales beneficiarias
de donaciones y testamentos. Su finalidad fue acrecentar la riqueza nacional y
crear una burguesía y clase media de labradores propietarios. Además, el estado
obtenía unos ingresos extraordinarios con los que se pretendían amortizar los
títulos .
CARACTERÍSTICAS
DE LA MÚSICA DEL IMPRESIONISMO
● MELODÍA: Se busca la emancipación de la melodía a través
de la huida a melodías medievales, folklore oriental.
● RITMO: Se prefería una
corriente sonora que ayudara a la música a liberarse de la barra del compás.
● ARMONÍA: Utilización de los modos gregorianos, escalas
orientales…
● CADENCIAS: Armonías que den la impresión de que el acorde
final sea menos disonante que los anteriores.
● TIMBRE: Consistirá en tener la orquesta como un conjunto
de grupos de instrumentos. Se reduce el volumen para que la orquestación sea
más suave y discreta.
● FORMA: Se recurre mucho a estructuras simples, A-B-A.
INSTRUMENTOS
En el Impresionismo todos los
instrumentos tienen importancia, pero dentro de ellos uno de los más destacados
es el piano, tanto solo como acompañando la voz de un solista u otros
instrumentos de viento madera como el arpa. En cuanto al piano, las
innovaciones en la escritura que hizo Debussy fueron muy importantes. Puede
decirse que Debussy es uno de los organizadores del estilo pianístico del siglo
XX.
Otro instrumento de teclado de gran
importancia en la actualidad, es el órgano, conocido antes por los griegos.
Orquesta de
cámara (Orquesta formada por un número reducido de músicos que tocan solo
instrumentos de cuerda y de viento) y orquesta sinfónica (Orquesta formada
aproximadamente por cien músicos que tocan instrumentos de cuerda, de madera,
de metal y de percusión).
FINALIDAD
La música
impresionista no trata de expresar emociones profundas ni de contar una
historia, sino de evocar un clima, un sentimiento fugaz, una atmósfera, con la
ayuda de títulos sugerentes y ocasionales reminiscencias de sonidos naturales,
ritmos de danzas, trozos de melodía y cosas similares. El Impresionismo se basa
en la alusión y el sobreentendido, y en cierto sentido, es la antítesis de las
expresiones profundas, vigorosas y rectilíneas de los románticos. Un rasgo
común a todos los compositores impresionistas va a ser un esteticismo a
ultranza por el cual la obra de arte es considerada un fin en sí misma, un
objeto precioso e inútil cuya contemplación hace olvidar lo grosero e
imperfecto de la vida cotidiana. Sus innovaciones son aceptadas y permiten que
el desarrollo de la música se produzca al mismo tiempo que el del resto de las
artes. Por una vez, la música no se queda atrás.
AUTORES Y OBRAS
Por su aporte innovador en el arte, el
impresionismo es considerado como el precursor de las artes contemporáneas.
Entre sus principales representantes encontramos a:
Claude Debussy (1862 - 1918)
Achille-Claude
Debussy fue un compositor francés y una figura central en la música europea de finales
del siglo XIX y comienzos del siglo XX y, junto a Maurice Ravel, una de las figuras más prominentes de la música impresionista. Se crió en el
seno de una familia humilde sin tradición musical. A los diez años ingresa en
el Conservatorio de París, donde estudia composición con Lavignac y piano con
Marmontel, y ya en 1878 comienza sus giras como pianista que lo llevan por
distintas localidades de Francia, a Italia, Austria, Suiza y Rusia, siendo
precisamente en esta última donde conoce y trabaja como pianista para la
baronesa von Meck, protectora de Chaikovsky. Fue nombrado caballero de la Legión de Honor en 1903.
Entre sus
composiciones más importantes hay que destacar:
● PRELUDIO A LA
SIESTA DE UN FAUNO: Es un poema
sinfónico de Claude Debussy. La obra se estrenó en París en diciembre de 1894,
está inspirada en el poema L’après-midi
d’un faune del poeta simbolista Stéphane Mallarmé. Es una de las obras más
conocidas y es considerada una obra crucial en el desarrollo de la estética
Impresionista. La sensualidad y la potencia visual de la obra motivaron que la
obra fuera coreografiada en 1912 por Vaslav Nijinsky y presentada en los
escenarios de los Ballets rusos.
En cuanto a la estructura de la obra, no se la
puede asignar una forma tradicional. Si
es posible al menos definir las líneas esenciales de su estructura. Está estructurado en tres secciones principales,
según el esquema A B A’ más una breve coda:
● Sección A (cc. 1-30). La melodía del fauno (el fauno entona su
melodía en su flauta). La melodía se escucha un total de tres veces en idéntico
registro pero con diferentes contextos tonales y derivaciones melódicas.
● Sección B1 (cc. 31-54). Los juegos amorosos del fauno (el fauno
persigue a las ninfas intentando seducirlas). Sección agitada en la que podemos
reconocer un desarrollo/variación de los dos motivos principales de la melodía
del fauno.
● Sección B2 (cc. 55-78). El éxtasis (frustrado) del fauno (el fauno está
a punto de seducir a una ninfa pero fracasa en su intento). Una extática
melodía en Re♭ mayor con estructura binaria ofrece el clímax de la obra, que se
desvanece suavemente.
● Sección A’ (cc. 79-106) y Coda (cc. 107-110). La siesta del fauno (cansado de los juegos
eróticos, el fauno se sume en sus pensamientos poco antes de dormirse).
● Children's corner
(El rincón de los niños)
· Maurice Ravel (1875 - 1937): Joseph Maurice
Ravel fue un compositor francés del siglo XX. Su obra, frecuentemente vinculada al impresionismo, muestra además
un audaz estilo neoclásico y, a veces,
rasgos del expresionismo, y es el fruto
de una compleja herencia y de hallazgos musicales que revolucionaron la música
para piano y para orquesta. Reconocido como maestro de la orquestación y por ser un meticuloso artesano, cultivando la
perfección formal sin dejar de ser al mismo tiempo
profundamente humano y expresivo; Ravel sobresalió por revelar «los juegos más
sutiles de la inteligencia y las efusiones más ocultas del corazón» (Le
Robert).
IMPRESIONISMO
MUSICAL EN ESPAÑA
El Impresionismo
musical también tuvo un éxito rotundo en España, dejando un gran legado de
autores y obras muy destacadas.
●
Isaac Albéniz (1860/1909): fue un célebre compositor y pianista español. Siendo un virtuoso compositor de piano, también compuso música para otros instrumentos.
Dedicó más de una década de sus casi cuarenta y nueve años de vida a escribir
temas para teatro, como por ejemplo, su más exitoso
trabajo operístico, Pepita Jiménez. También se
dedicó a interpretar conciertos, o a la grabación de su ópera Merlín. Durante su carrera escribió canciones
(más de dos docenas) así como varios
temas orquestales y de cámara.
Pepita Jiménez, es la obra más destacada de este
autor; es una comedia lírica u ópera cómica dividida en dos actos aunque estrenada primero con un sólo acto. La
ópera original usaba un libretto inglés del colaborador británico de
Albéniz, Barón Francis Money-Coutts, el cual se basó
en la novela homónima de Juan Valera. La ópera fue
más tarde adaptada muchas veces, primero por su compositor y más tarde por
otros, a numerosos lenguajes y diferentes montajes, incluidos tanto una versión
de dos actos como de tres actos.1
La historia empieza en un día de mayo celebrando
la fiesta del Niño Salvador. Pepita Jiménez, una muchacha de 19 años de edad,
acaba de enviudar. Se casó con su viejo tío, de 80 años de edad, don
Gumersindo, un rico prestamista, desde que tenía 16 años de edad y ahora está
en posesión de su gran fortuna. Pepita tiene varios pretendientes, entre ellos
el conde Genazahar, que la debe dinero, y don Pedro de Vargas, un miembro de la
comunidad muy respetado y próspero. Pepita, sin embargo, sólo tiene ojos por el
hijo de don Pedro, don Luis, un guapo y joven seminarista que flirtea con ello
desvergonzadamente. Ella le confiesa su amor al cura del pueblo, y él a su vez
la insta a olvidarlo, pues se supone que él debe seguir una llamada superior.
Mientras tanto, la peleona pero cariñosa doncella
de Pepita, Antoñona, revela a don Pedro el amor de su ama por su hijo, mientras
que simultáneamente se burla de él por suscitar tal flirteo. Aunque al
principio queda sorprendido por esta revelación, don Pedro se aguanta sus
propios sentimientos por Pepita y decide ayudar al romance de los jóvenes junto
con Antoñona. Pepita vuelve de su encuentro con el cura y se topa con don Luis,
a quien ella ha decidido permitir seguir su vocación. Del mismo modo, don Luis
se ha dado cuenta entonces que ama a Pepita, pero decide resistirse a la
tentación. Justo cuando los dos se van a separar para siempre, Antoñona
interrumpe y hace que don Luis prometa ver a Pepita una vez más antes de que él
abandone la ciudad.
Después de dejar a Pepita, Don Luis oye al conde
Genazahar, al que Pepita acaba de rechazar, haciendo insultantes comentarios
sobre ella a sus dos oficiales. Luis se enoja y desafía al conde a un duelo. El
conde resulta herido y Luis queda victorioso. Cuando don Luis vuelve a ver a
Pepita, ella no puede callarse sus verdaderos sentimientos. Frenética, le
informa de que su vida estará perdida por su vocación, y ella se encierra en su
habitación. Don Luis, temiendo que se suicide, entra a la fuerza en la
habitación de Pepita y los dos se unen en un abrazo, para felicidad de
Antoñona.
● Manuel de Falla
(1876-1946): fue un compositor español. Representante
del impresionismo musical en España. Es uno de los compositores españoles más
importantes de la primera mitad del siglo XX, junto a Isaac Albéniz, Enrique
Granados, Joaquín Turina y Joaquín Rodrigo.
Recibió sus primeras lecciones de solfeo de mano
de su madre, intérprete de piano, y su abuelo. En 1889 prosiguió sus estudios
de piano y aprendió armonía y
contrapunto con Enrique Broca. Con un grupo de amigos fundó la revista
literaria El Burlón y en 1890 participó en una segunda titulada El Cascabel,
que terminó dirigiendo. En 1893, tras asistir a un concierto en Cádiz donde se
interpretaron, entre otras, obras de Edvard Grieg sintió, según sus propias
palabras, que su "vocación definitiva es la música".
Entre sus grandes obras destacan las siguientes:
-
El amor brujo: Mítica
pieza musical compuesta por el maestro Manuel de Falla, convertida en una de
las obras más interpretadas y versionadas de la historia de la música española.
-
Noches en los jardines de España: Magia, rito, exuberancia oriental e inmersión en
el folclore andaluz. Una de las piezas orquestales más bellas del compositor
granadino Manuel de Falla.
-
El sombrero de tres picos: el autor se inspira en la novela del mismo
nombre, de Pedro Antonio de Alarcón, para crear uno de los ballets más famosos
de su momento.
● Joaquín Turina: fue un célebre compositor español y destacado
representante del nacionalismo musical en la primera mitad del siglo XX. Junto
a Manuel de Falla e Isaac Albéniz produjeron las obras más relevantes del
Impresionismo musical en España.
Turina se inició como profesional en la música
mediante un quinteto con piano que había formado con un grupo de amigos. La
agrupación se hacía llamar La Orquestina. Actuaban en fiestas y reuniones y fue
la primera plataforma con la que Turina pudo iniciarse como intérprete y
compositor.
Turina empezó sus estudios de medicina. Pero
decidió retirarse y dedicarse profesionalmente a la música. Su padre le apoyó
en todo momento, incluso financiando sus estudios y declarando en su testamento
el deseo de que su hijo dispusiera de su dinero para seguir con su carrera
artística.
Turina fue pianista profesional, director de
orquesta, profesor de composición, crítico musical, pedagogo, conferenciante,
escritor y fotógrafo.
Sus obras más importantes son :
- Danzas
fantásticas: es la obra más conocida de este compositor español. La obra se
inspira en la novela La orgía de José Mas y en la partitura es posible
encontrar citas de la novela al inicio de cada danza.
-La
procesión del Rocío: es un poema sinfónico compuesto por Turina en 1912 en
París. La pieza fue estrenada el 30 de marzo de 1913 en el Teatro Real de
Madrid.
DÓNDE SE
REPRESENTABA LA MÚSICA IMPRESIONISTA
La gran mayoría de las obras
impresionistas consistían en óperas y zarzuelas, que eran representadas en los
principales teatros de las grandes ciudades europeas donde triunfó el
impresionismo.
●
Teatro de los Bouffes Parisiens: es un teatro francés situado en la ciudad de París. Fue inaugurado el 5 de julio de 1855 bajo la dirección de Jacques Offenbach con su opereta Les deux aveugles. Ocupaba un
lugar privilegiado, en los jardines de los Campos Elíseos. la sala tenía
poca capacidad, y a los pocos meses de su inauguración, Charles Comte ofreció a
Offenbach la explotación de su teatro, el théâtre Comte, situado a
proximidad del pasaje Choiseul y de los teatros
de los «grandes bulevares» parisinos. Offenbach encargó trabajos de
remodelación y ampliación del teatro, que inauguró el 29 de diciembre de 1856, con el nombre de Teatro Bouffes-Parisiens.
Claude Debussy estrenó su obra ´´ Pélleas et Mélisande`` en este teatro
en 1893.
● Gran Teatro del Liceo de Barcelona: es el teatro en activo más antiguo y prestigioso de Barcelona, especialmente como teatro de ópera, entre los que es considerado uno de los más
importantes del mundo. Situado en La Rambla de Barcelona, ha sido escenario, desde 1847, de
las más prestigiosas obras, interpretadas por los mejores cantantes del mundo.
Durante casi dos siglos, ha sido símbolo y lugar de encuentro del poder, la
nobleza y burguesía catalanas, en los pisos inferiores, por un lado, mientras
que los aficionados de las clases sociales menos adineradas compartían su
pasión por la ópera en los pisos 4º y 5º, que hasta las últimas reformas tuvieron
una entrada independiente por la calle de San Pablo. Isaac Albéniz estrenó su
obra ´´Henry Clifford`` en este teatro en 1895.
● Teatro Real (Madrid): El Teatro Real es el teatro de la ópera de Madrid, considerado uno de los más importantes de España y Europa. Se encuentra situado en la Plaza de Oriente, frente al Palacio Real, y es uno de los
monumentos más emblemáticos de la ciudad. Fue fundado a principios del siglo XIX, en el año 1818, e inaugurado en 1850, y se mantuvo de forma ininterrumpida como
teatro de ópera hasta 1925, cuando tuvo que cerrar a causa de
problemas estructurales en el edificio. No volvió a abrir sus puertas hasta 1966, como sala de conciertos sinfónicos. Entre 1988 y 1997 sufrió una importante remodelación que lo volvió
a convertir en coliseo operístico. En 1997 se reestrenó el teatro con una
representación de la obra ´´El sombrero de tres picos`` de Manuel de Falla,
autor que falleció en 1946.
ROMANTICISMO
El romanticismo es una revolución artística, política, social e ideológica tan importante que todavía hoy viven
muchos de sus principios: libertad,
individualismo, democracia, nacionalismo, etc.
Romanticismo,
por otra parte, es un término que se utiliza para nombrar a un movimiento de la
cultura que surgió
a finales del siglo XVIII y que se desarrolló en las primeras décadas del siglo
XIX. El romanticismo surgió en oposición a la ilustración, privilegiando los
sentimientos sobre la razón. También evidencia una valorización de lo
individual y de la originalidad. El movimiento, por otra parte, destaca lo
subjetivo.
resultado
de la profunda crisis social e ideológica de un mundo en acelerado cambio, como
es el de las primeras décadas del siglo XIX.
Los
autores más importantes fueron Beethoven y luego de Carl Maria von Weber en el
aspecto musical, Johann Wolfgang von Goethe, Víctor Hugo respecto a la
literatura, y Eugene Delacroix y Joseph Mallord William Turner respecto a la
pintura.
CARACTERÍSTICAS
El
romanticismo es en gran medida, un
movimiento antiilustrado que tiene como precursores a finales del siglo XVIII,
a Rousseau en Francia, y a Goethe en Alemania. Su influencia corre
paralela al desarrollo del idealismo
alemán -se puede decir que el romanticismo representa para el arte lo que
el idealismo alemán para la filosofía-, ambas corrientes se influencian entre
sí. Sus características principales son:
1.
Frente al racionalismo ilustrado se
exalta el sentimiento, la
imaginación, la intuición.
2.
Se revaloriza el sentimiento religioso. La religión se basa para muchos -así
Schleiermacher- en el sentimiento de lo infinito y, con frecuencia, en el
sentimiento de dependencia con respecto a ese infinito. Muchos tienen preocupaciones
religiosas de tipo místico o panteísta -reciben la influencia del panteísmo de
Spinoza y del misticismo de Böhme-.
3.
Se revaloriza la historia, la tradición, por ejemplo las tradiciones
populares, lo nacional -en Alemania se acuña la expresión Volkgeist (Espíritu del
pueblo) que va a tener enorme importancia en el surgimiento de movimientos nacionalistas de fines de
siglo e incluso en el siglo XX-. Se revaloriza asimismo todo lo antiguo, la Edad Media (Schlegel),
la Grecia clásica (que pone de moda Goethe) y todo lo primitivo y salvaje (Rousseau).
4.
Se exalta el individualismo. La libertad también es convertida en un valor
fundamental, de ahí que muchos románticos sean, también, auténticamente
liberales.
5.
Se sustituye la concepción “mecanicista”
de la naturaleza, heredada de Descartes, por una concepción “organicista”. La
naturaleza es concebida fundamentalmente como un ser vivo, como algo que crece,
se desarrolla, y en donde el todo es algo más que la suma mecánica de las
partes. Y se exalta la identificación con la naturaleza a través de la música,
la pintura, la poesía,etc.
CONTEXTO
HISTÓRICO Y SOCIAL
El siglo XIX se
inicia con la invasión francesa y la guerra de la Independencia contra las
tropas napoleónicas. Acabada esta, regresa a España Fernando VII, que anula la
Constitución de 1812 y restablece el absolutismo. A su muerte, le sucede su
viuda María Cristina hasta la mayoría de edad de su hija Isabel II. La primera
guerra carlista enfrenta a los liberales partidarios de Isabel II y a los
absolutistas que apoyan a don Carlos, hermano de Fernando VII. En esta primera
mitad de siglo logran su independencia la mayoría de los países
hispanoamericanos. La burguesía va adquiriendo gran importancia, crece la industria
y aparecen las primeras tensiones sociales protagonizadas por socialistas y
anarquistas. En el aspecto cultural: se intenta modernizar la enseñanza
mediante la Institución Libre de Enseñanza, con escaso éxito.
CONTEXTO CULTURAL
Los artistas románticos, cansados de la perfección formal
del Clasicismo, buscan nuevas formas de expresión que les permitan dar rienda
suelta a su impulso creador. En esta época de anhelo de libertad, los artistas
se independizan de los mecenas y van a crear obras para un público que en
ocasiones le adora y, a menudo, tarda en comprender. El principio fundamental
del Romanticismo es la búsqueda de la exaltación de las pasiones en todas sus
obras.
Otro
concepto que triunfa en la época es el de "el arte por el arte", sin condicionantes
y sin tener que respetar todas las normas formales y estructurales que se
habían impuesto en el periodo anterior. Los artistas van a ser genios creadores
que son reconocidos como tales por el resto de la gente.
ETAPAS
En este periodo podemos hablar de tres
etapas:
●
ROMANTICISMO TEMPRANO (1800-1830): Beethoven será la figura que sirva como puente entre
las dos épocas. Surgen las primeras manifestaciones que combinan innovación y
continuidad con el Clasicismo. En esta etapa destaca Schubert, que logrará la
expresión plena del lirismo romántico en sus piezas para piano y en los lieder.
●
ROMANTICISMO PLENO (1830-1850): El movimiento romántico se extiende por toda Europa.
París se convierte en un centro importante de cultura musical. Es la época del
virtuosismo instrumental con autores como Listz (piano) o Paganini (violin). Se
asientan nuevas formas compositivas como la Música Programática (descriptiva).
●
ROMANTICISMO TARDÍO (1850-1890): Los grandes operistas de la época, Wagner y Verdi,
escriben sus mejores obras. Destacan compositores de la talla de Brahms.
Aparecen las nuevas corrientes: Post-romanticismo y Nacionalismo.
FINES
Y OBJETIVOS DE LA MÚSICA
La música fué una de las artes que se vió
más exaltadas con la aparición del romanticismo, la música ya no estaba
estrictamente sujeta a el clasicismo, sino que ahora intentarán encontrar
sentimientos de manera directamente al oyente. El autor cada vez tenía una
mayor independencia de los mecenas, lo que facilitaba la mayor libertad de
expresión y composición.
Mediante la música se buscará la
expresividad, los sentimientos y los estados de ánimo del oyente.
Los músicos románticos tratan, con su
música, de influir en el ánimo del oyente implicándole emocionalmente. Para
conseguir este propósito, el vehículo más apropiado será el piano, que se
convertirá en el instrumento estrella del periodo, ya que con él se logra una
atmósfera íntima.
ESTILO MUSICAL Y CARACTERÍSTICAS
Interés por los temas exóticos,
orientales, y del pasado; la música absoluta se impone a la vocal, es decir la
sinfonía y los instrumentos se imponen a la voz. El gran interés fue la
sinfonía y el concierto, y sobre todo sobresalió como instrumento el piano, ya
que les parecía un instrumento perfecto para expresar sentimientos.
Perfeccionamiento del género programático, que era la música asociada a las
imágenes pictóricas o literarias. Se valoraba más el contenido sentimental que
el contenido formal.
Triunfo del teclado para el solista, y el
aumento del número de instrumentos en una orquesta.
Sobresalió en Europa la escuela
Germánica.
INSTRUMENTOS Y CANTANTES
En el romanticismo surgieron muchos
instrumentos, no fué igual con los cantantes, ya que se dió más importancia a
las melodías de los instrumentos que a las propias vocales. Dividiremos los
instrumentos en familias:
-VIENTO: ‘Tuba’,( Wilhelm Friedrich): una tuba estirada podría medir
7 metros.
‘Saxofón’(Adolphe
Sax): el cuerpo del saxofón es un tubo de latón con entre 20-23 agujeros
variables de tono.
‘Contrafagot’:
es un tuvo de casi 6 metros pero doblado tres veces por si mismo, se considera
totalmente de madera.
-PERCUSIÓN: ‘Vibráfono’: es similar al xilófono o a la marisma,
pero usando láminas de aluminio en vez de de madera.
-CUERDA:’Violín’: Instrumento de cuerda frotada con 4 cuerdas.
‘Viola’: similar al violín pero de
mas tamaño y más grave
‘Arpa’:
Instrumento de cuerda pulsada con los dedos o con una púa, hoy en día
existen cantidad de variables de ella.
‘Piano’:
Instrumento armónico, de teclado y de cuerdas percutidas.
A continuación explicaremos algunos de
los compositores mas importantes de la época:
-ESPAÑA: ‘Juan Crisóstomo de Arriaga’: apodado el Mozart español
debido a sus grandes dotes y su prematura muerte.
‘María
Malibrán’: Cantante de ópera francesa de origen español, además fue
compositora
-ALEMANIA: ‘Johannes Brahms’ : recordado por sus sinfonías y sonatas.
‘Felix
Maldensshon’: nació en Hamburgo y es conocido por sus sinfonías.
‘Ludwing van beethoven’: fué el primer compositor romántico,
compositor, director de orquesta y pianista, uno de los más importantes de esta
época.
-AUSTRIA: ‘Anton Bruckner’: Compositor y organista que influyó de gran
manera en la música de la Edad Moderna.
‘Franz Schubert: sobresalió en el
lied de canto y piano.
‘Ludwing
van beethoven’: fué el primer compositor romántico, compositor,
director de orquesta y pianista, uno de los mas importantes de esta época.
DONDE
SE REPRESENTABA LA MÚSICA
·
CONCIERTOS PÚBLICOS: Se celebraban en grandes solas propiedad del Estado o de
empresas privadas. A ellas se accedía pagando una entrada. Estos lugares eran
el marco ideal para grandes funciones sinfónicas, de ópera, de ballet,...
·
SALONES PRIVADOS: En las casas de los aristócratas y de los ricos
empresarios burgueses se realizaban conciertos privados. Normalmente eran
salones no demasiado grandes. Su ambiente era selecto y restringido a unos
pocos privilegiados. La música más demandada en estos escenarios era la de
cámara.
· MÚSICA
EN FAMILIA: En
ocasiones los artistas se reunían con familiares o amigos para celebrar fiestas
en las que la música era el ingrediente principal. Era, para la gran mayoría de
los compositores románticos, el escenario preferido por su ambiente íntimo y
personal. Fueron famosas las Schubertiadas, veladas musicales lideradas por
Franz Schubert.
GRANDES
AUTORES Y OBRAS MÁS SIGNIFICATIVAS
Tuvo una infancia marcada por la pobreza
en los muelles de Hamburgo, donde nació. Pero no tardó en revelar su talento
para la música, que su padre decidió alentar para que el niño tocase en las
tabernas. Más tarde llegó a recibir lecciones de los mejores maestro de la
ciudad. Se vio obligado a componer encargos para ganarse la vida, que aparecen
firmados con seudónimos, así como a dar clases de piano.
Un
violinista le invitó a una gira por Alemania y así en Weimar visitó a Liszt, en
Düsseldorf a los Schumann, con quienes trabó amistad enamorándose profundamente
de Clara. También estuvo enamorado de otras mujeres, pero nunca llegó a
casarse. Trabajó duramente y produjo obras maestras en todas las formas
musicales, excepto en ópera.
Su
genio fue finalmente reconocido en toda Europa. Su obra se aleja de todo
concepto programático para centrarse en un arte musical puro y clásico.
-OBRAS:
.Sinfonía
nª4 op 98: La
sinfonía está dividida en cuatro movimientos:
1.
Allegro non troppo (mi menor)
2.
Andante moderato (mi mayor)
3.
Allegro giocoso - Poco meno presto - Tempo I (do mayor)
4.
Allegro energico e passionato - Più Allegro (mi menor)
El
primer movimiento es una forma sonata clásica. El primer tema abre la sinfonía
y está conformado por una progresión de terceras descendentes (quebradas por
saltos). El puente modulatorio comienza en el compás 19 y desemboca en la
entrada del segundo tema en c. 56. Aquí Brahms hace una modificación ya que el
segundo tema se encuentra en Si menor, es decir en el V grado menorizado, en
vez de Sol mayor. Este segundo grupo temático se compone realmente de dos
temas, ya que luego aparece una melodía en Si mayor llevada por las maderas. El
desarrollo comienza en el c.145 con el primer tema en la tonalidad original,
aunque rápidamente se aleja de su centro tonal principal. Luego se diversas
progresiones armónicas sobre los motivos de los temas de la exposición llegamos
a la recapitulación. Es interesante que el comienzo del tema se da dentro del
desarrollo y rearmonizado con acordes de quinta aumentada, y con una figuración
métrica mayor, logrando un buen efecto cuando se retoma el tempo del comienzo
pero con el tema ya comenzado (c. 259). El segundo grupo temático se encuentra
en mi, en la reexposición. La coda comienza en el c. 377 y tiene 70 compases de
duración, con un aumento constante de la intensidad llegando a un gran clímax
cinco compases antes del final del movimiento.
·Réquiem
Alemán op 45: es una
composición para soprano, barítono, coro y orquesta de Johannes Brahms. Catalogada como su opus 45, se trata de una meditación
sobre la vida y la muerte a partir de textos bíblicos. Se estrenó de forma
parcial en la Catedral de Bremen el 10
de abril de 1868, día de viernes santo, y de forma completa en 1869 en la Gewandhaus de Leipzig.
Posteriormente, se interpretó por toda Europa y Brahms empezó a ser considerado
como un compositor de importancia.
Es uno de los compositores románticos por excelencia; fue
un destacado renovador del género sinfónico. Nació en Francia en pleno periodo
napoleónico. Su padre era médico de provincias, que no veía convencido el
futuro de su hijo como compositor. Fue un innovador que se topó con la
intransigencia de la mayoría de los músicos en casi todos los temas, desde su
apoyo al saxofón, hasta su apoyo a la visión dramática de Wagner.
Tuvo una vida excéntrica y
apasionada. Ganó el premio de Roma, el más importante que había dentro de la
música en Francia en su época; pero no lo ganó por la creación de su Sinfonía
Fantástica, sino por una cantata que hoy está casi olvidada. Su obra musical es
antecesora de estilos musicales que se confirmaron más tarde.
Además de compositor, defiende
sus postulados sobre música programática como columnista. Tuvo un éxito
relativo en las principales capitales europeas donde estrenó su obra, aunque
menos suerte en su propio país. También escribió un "Tratado de Instrumentación"
que reeditará y corregiría Richard Strauss.
-OBRAS:
·Romeo
y Julieta, llamada sinfonía dramática: análisis:
1. Introducción
El
primer movimiento se abre con un pasaje fugado que evoca las peleas entre
Capuletos y Montescos en las calles de Verona. Este pasaje sirve como base para
el recitativo instrumental a cargo de los metales (trombones y cornos), que
representa la intervención del príncipe intentando poner fin a estos combates.
La
parte siguiente, denominada prólogo, es un coral cuyos objetivos son contar el
programa de la sinfonía, es decir el argumento que será desarrollado en los
siguientes movimientos, e introducir algunos de sus temas musicales, a saber:
la fiesta en casa de los Capuletos, el coro de Capuletos y la escena de amor.
El coro declama en general al unísono, con algunos pasajes armonizados y
acotaciones de la orquesta.
2. Roméo seul (Romeo solo)
Este movimiento presenta
dos secciones bien diferenciadas.
La primera es un movimiento
lento. Comienza con una frase cromática en solo de violines que representa el
estado de melancolía de Romeo, que luego es transformado y ampliado
diatónicamente en una melodía muy expresiva del oboe, que denota la inocencia
de Julieta, mientras a lo lejos se escuchan los ecos del baile en la percusión.
3. Scène d'amour (Escena de amor)
La escena de amor, es uno
de los momentos más inspirados de la obra, y es donde Berlioz despliega todo su
espíritu romántico.
Es un movimiento puramente
instrumental, salvo la breve intervención inicial del coro que representa a la
gente retirándose de la fiesta de los Capuletos. Al respecto, Berlioz escribió
en sus memorias que “para describir un amor tan sublime, es necesario contar
con una libertad que la palabra cantada no puede dar, y en su lugar el idioma
instrumental es un lenguaje más rico, más variado y menos limitado y, por su
autoridad, infinitamente más poderoso."
4. Scherzo: La reine Mab
Berlioz describe
musicalmente a la diminuta hada en su andar nocturno, a través de un delicado
scherzo que raramente se eleva por encima del nivel de piano y está brillante e
imaginativamente orquestado. Tal como es habitual en el scherzo, tiene la forma
ABA. La primera parte comprende un tema seguido de varias repeticiones. La
sección central es un trío que introduce un contraste tanto en la métrica como
en la clave antes de volver al tema inicial
5. Convoi funèbre de Juliette (Cortejo fúnebre de Julieta)
La quinta parte describe el
funeral de Julieta. Este fragmento no está basado en la obra de Shakespeare,
sino en la adaptación de Romeo y Julieta realizada por el actor inglés David
Garrick que incluyó, entre otros cambios, esta escena. Comienza con una fuga
instrumental sobre un tema cromático, con intervenciones irregulares del coro
entonando un canto fúnebre sobre una única nota. Promediando el movimiento los
roles se invierten, y el coro entona la fuga mientras la orquesta toma el
monótono canto fúnebre.
6. Roméo au tombeau des Capulets (Romeo en la tumba de los Capuletos)
La intensidad de la música
de Berlioz permite imaginar la secuencia de eventos que se relatan en este
movimiento. Un pasaje lleno de agitación indica que Romeo irrumpe en la tumba
de los Capuletos, donde encuentra a Julieta y cree que ella está muerta. Luego
de un solemne pasaje, una melodía de la trompa representa a Romeo tomando el
veneno.
7. Finale
La multitud llega a la
tumba de los Capuletos y se encuentra con el trágico espectáculo de los jóvenes
amantes muertos. Fray Lorenzo relata lo sucedido en el aria “Pauvres enfants
que je pleure”, y ambas familias se enfrentan a través de una fuga coral basada
en el comienzo del primer movimiento. Con su grito “Silence, malheureux” Fray
Lorenzo interrumpe este enfrentamiento e insta a ambas familias a la
reconciliación frente a la tragedia ocurrida. En el brillante final todos
sellan el juramento de reconciliación y deciden dejar de lado por siempre sus
antiguas disputas.
Si bien la reconciliación
de los Capuletos y Montescos se produce al final de la obra de Shakespeare, en
esta sinfonía ocupa un espacio mucho más relevante, de tal forma que la obra
culmina con un mensaje positivo y esperanzador, análogo al del final de la
novena sinfonía de Beethoven.
·Benvenuto
Cellini: es una ópera en dos actos, compuesta por Héctor Berlioz. El libreto fue escrito por Léon
de Wailly y Auguste
Barbier. Se estrenó en la Ópera
de París el 10 de septiembre de 1838. El estreno fue un auténtico fracaso, debido a que la
audiencia quedó muy perturbada por esta ópera radical. Benvenuto Cellini se representaba raras veces y no es parte del
repertorio habitual. En las estadísticas de Operabase aparece con sólo 5 representaciones para el período
2005-2010. El estreno en Estados Unidos fue en Nueva York el 22 de marzo de 1965, en el Philharmonic Hall. En España, se estrenó en 1977, en el Gran
Teatre del Liceu de Barcelona. La primera representación en el Metropolitan Opera fue el 4 de diciembre, de 2003, con dirección de James Levine.
Compositor y pianista húngaro. Su padre
servía en la residencia de los Esterházy y era músico aficionado, de quien el
pequeño Franz aprendería a tocar el piano. Su talento era tal que impresionó al
patrón, el cual le financió los estudios en Viena. Allí estudia piano con
Czerny y composición con Salieri.
En París no consigue entrar en el
conservatorio dirigido por Cherubini por ser extranjero, pero estudia con
profesores privados. Su éxito como pianista fue enorme. Su vida privada estuvo marcada
por su fama de casanova y su espíritu inquieto, que buscaba refugio en la
religión, en la política y las artes.
Con él nació el moderno virtuoso del
piano, romántico y efusivo. Su obra compositiva muchas veces se ve influida por
la vena virtuosismo del intérprete, por lo que su catálogo denota cierta falta
de unidad estilística. Pero fue un importante renovador de las formas, habiendo
creado el poema sinfónico y dado forma definitiva a la rapsodia.
-OBRAS:
·Orfeo:
Orfeo no
es una obra larga y tiene forma de un crescendo gradual
seguido de un final tranquilo que vuelve al estado de ánimo de la apertura.1 A
diferencia de muchos otros poemas sinfónicos de Liszt, la música de éste
permanece en gran parte contemplativa. Por esa razón, se convirtió en la pieza
favorita del yerno de Liszt, el compositor Richard Wagner.5
Formalmente,
Orfeo es una forma sonata modificada con una parte en tonalidad secundaria
que contiene dos temas. El segundo de ellos carece de la energía del primero,
permaneciendo en un leitmotiv que oscila
entre armonías mayores y
menores. Sin embargo, contiene una calidad especialmente conmovedora. Este tema
es presentado por varios instrumentos solistas con un arpa de acompañamiento. Tanto la orquestación como
el estilo, sugieren la interpretación de este tema como la voz de Orfeo.
La
etérea escala cromática ascendente
en los últimos pentagramas atenúa
cualquier cierre decisivo que se pudiera esperar en una resolución armónica
convencional. Combinado con el tema de cierre del segundo grupo, éste termina
como una visión secreta que recuerda los momentos finales de la historia de
Ballanche. Allí el narrador de la historia, ,
es testigo de la desaparición de Orfeo entre las nubes, dejando a la humanidad
la tarea de desarrollar sus enseñanzas de civilización
·Sinfonía
de Dante:
Primer movimiento: Infierno
El primer movimiento está
en forma ternaria (ABA), y se abre con una
línea melódica en el metal y la cuerda, sin acompañamiento. Se introduce un
redoble suavemente, que crece hasta culminar en fortissimo, y tras un breve silencio, se une la orquesta al
completo. De acuerdo con la partitura, que en muchos lugares está anotada con
pasajes de Dante, esto sería la versión musical de las palabras inscritas sobre
las puertas del infierno
El tema descendente
Debido a su ambigüedad
tonal, esta línea cromática transmite urgencia y tensión. El tema suena dos
veces antes de pasar a la orquesta, y representa el descenso de Dante a los
infiernos. Volverá periódicamente a través del movimiento (en varias formas) y
proporciona una fuerza conductora tras la música, empujando a la sinfonía hacia
su clima literario, el suelo helado del infierno.
Tema "B"
Este tema es luego
brevemente repetido por el metal, mientras las cuerdas retoman de nuevo el
primer tema. Ambos destacan en la música y circulan por toda la orquesta como
si fuera en un torbellino, mientras el tempo
continúa acelerándose hasta alcanzar finalmente un Presto molto.
Tema "C"
Es contestado con fiereza
por los dos temas anteriores, hasta alcanzar el clímax con un gran efecto de la
orquesta completa. La música empieza a disiparse y se reafirma el tempo Lento original. El movimiento sigue
después a la parte B
Compositor
austríaco. Aunque comenzó estudiando con su padre, pronto éste se daría cuenta
del potencial de su hijo y lo enviaría a tomar clases con el director del coro
de la parroquia, después acudiría a la escuela de la capilla de la corte
imperial. A partir de entonces empieza a componer un impresionante catálogo de
obras e inicia un movimiento romántico que se extendería por toda Europa.
Es
el paradigma del compositor que escribe por placer, que alcanza la felicidad en
la creación. Su principal aporte lo hizo renovando el repertorio de los lieder con unas 600 canciones, algunas
englobadas en ciclos como "El viaje de invierno", "La bella
molinera" o "El canto del cisne". También compuso obras para
piano, cuartetos de cuerda, música para distintos conjuntos de cámara y para el
medio sinfónico. Su estilo acentúa lo subjetivo y poético y surge con
naturalidad.
-OBRAS:
·Sinfonía
inacabada: La Sinfonía en si menor, D. 759, de Franz
Schubert, fue compuesta en 1822 pero no fue descubierta hasta varios años
después de la muerte del compositor. Se le atribuye clásicamente el nº 8 pero
en las renumeraciones actuales es la nº 7. El nombre de Inacabada o Inconclusa
(en alemán, Unvollendete) se debe a
que solo consta de dos movimientos aunque nada demuestra que Schubert pensara
hacer el resto, con lo que la obra estaría completa. Algunos musicólogos opinan
que esta sinfonía anticipa la música de Anton Bruckner. Se han desarrollado
diversas teorías acerca de por qué la sinfonía está incompleta, de por qué
Schubert no llegó a finalizar su trabajo. Muchos consideran que, al enterarse
tan solo un mes después de comenzar a escribir la sinfonía de que padecía
sífilis abandonó la obra y se la dio a su amigo Josef Hüttenbrenner. Este se la
regaló a su hermano Anselm, quien finalmente se la entregó a Johann Herbeck, el
director que la interpretaría en Viena por primera vez.
-APÉNDICE ESPAÑOL:
Espíritu inquieto, a los diez años se fue de casa, y
recorrió varias ciudades y pueblos de Castilla organizando sus propios
conciertos. Una segunda fuga, en 1872, le llevó a Buenos Aires. Protegido por
el secretario particular de Alfonso XII, el conde de Morphy, Albéniz,
consciente de sus carencias técnicas, pudo proseguir sus estudios en el
Conservatorio de Bruselas. Año importante fue el de 1882: contrajo matrimonio y
conoció al compositor Felip Pedrell, quien dirigió su atención hacia la música
popular española, inculcando la idea, esencial para el desarrollo de su estilo
de madurez, de la necesidad de crear una música de inspiración nacional. Fue
entonces cuando Albéniz, que hasta ese momento se había distinguido por la
creación de piezas salonistas agradables y sin pretensiones para su
instrumento, el piano, empezó a tener mayores ambiciones respecto a su carrera
como compositor. Su estilo más característico comenzó a perfilarse con las
primeras obras importantes de carácter nacionalista escritas a partir de 1885,
en especial con la Suite española de
1886. Su ideal de crear una «música nacional de acento universal» alcanzó en la
suite para piano Iberia, su obra
maestra, su más acabada expresión. Admirada por músicos como Debussy, la
influencia de esta partitura sobre otros compositores nacionalistas españoles,
entre ellos Falla y Granados, fue decisiva. Ella sola basta para otorgar a
Albéniz un lugar de privilegio en la música española.
-OBRAS:
·Suite Iberia: Sin duda se trata de su composición más
importante en todos los sentidos, tanto por la riqueza y originalidad armónica
y compositiva que exhibe como por las exigencias técnicas que demanda al
intérprete. La componen cuatro cuadernos, cada uno de ellos formado por tres
piezas. El primero contiene “Evocación”, “El puerto” y “Corpus Christi en
Sevilla”; el segundo “Róndela”, “Almería” y “Triana”; el tercero “El Albaicon”,
“El polo” y “Lavapiés”; y el cuarto “Málaga”, “Jerez” y “Erita a” nico Francis
Money-Coutts encarg a Albéniz.
Uno de los compositores españoles más
destacados del siglo XX. Nació en Cádiz el 23 de noviembre de 1876. De niño
estudió música con su madre y otros profesores de su ciudad natal; ya de jóven
estudió composición con el prestigioso musicólogo y profesor Felipe Pedrell.
Desde 1905 a 1907 enseñó piano en Madrid, y entre 1907 y 1914 estudió y trabajó
en París. En el periodo transcurrido durante los años 1914 y 1938 vivió y
compuso sobre todo en España. En 1939 fijó su residencia en Argentina, donde,
el 14 de noviembre de 1946, murió.
-OBRAS:
·La vida breve:
Acto
I
Cuadro I: Patio de una casa
humilde del barrio del Albaicín, en donde Salud espera a Paco. Se oyen
coros. Son los herreros del Albaicín que cantan mientras realizan su duro
trabajo: ¡Malhaya el hombre, malhaya, que
nace con negro sino! ¡Malhaya quien nace yunque, en vez de nacer martillo!,
melodía que resonará como un leitmotiv a lo largo de toda la obra. La abuela,
que quiere sinceramente a su nieta, se preocupa por ella.
Cuadro II: La noche cae poco
a poco. Lleno de belleza y poesía, un poema sinfónico corto describe (con voces
distantes) una puesta de sol en Granada.
Acto II
Cuadro I: Calle de Granada.
Fachada de la casa de Carmela. Se ve el patio donde se celebra una alegre
fiesta: Yo canto por soleares a Carmeliya
y a Paco y al recuerdo de sus pares … ¡Arsa niñas, y a bailar! . Salud,
enterada de la boda de Paco y Carmela, viene a la escena con Salvaor,
recordando con dolor los falsos juramentos. Observan desde la calle a través de
una ventana lo que ocurre en el patio: ¡Allí
está riyendo, junto a esa mujé! … Unas veces se me para y otras veces se
dispara. Llega la abuela. Se oye la voz de Paco. Salud canta desde la
ventana: ¡Malhaya la jembra pobre que
nace con negro sino! ¡Malhaya quien nace yunque, en vez de nacer martillo! …
¡No preguntes más por ella, ni subas al Albaicín! El novio desleal la oye.
Cuadro II: Patio donde se
celebra la boda. Los invitados visten con lujo. Varias parejas bailan. Paco
procura fingir alegría, disimulando su preocupación: ¡Si hubiera sío más precavido! ¡Yo no he debió dejarla así! Carmela
le observa. Salud y Sarvaor aparecen entre los invitados: ¡Mirad qué gitanos! ¡Mirad qué chavala! Salud: ¡Yo no vengo a cantar! Señala a Paco, quien deja escapar el nombre:
¡Salud! Ésta: ¡Me perdió! ¡Me engañó! ¡Me dejó! Para defenderse de las
acusaciones, Paco asegura que no la conoce: ¡Mientes!
¡Echadla! Carmela: ¡Paco! ¡Por Dios!
Salud, pronunciando suavemente su nombre, cae muerta a sus pies.
Pantaleón Enrique Joaquín Granados y
Campiña nació en Lleida, en 1867. Ingresó en la Escolanía de la Mercé en 1879 y
comenzó sus estudios con Juan Bautista Pujol en 1880. Con Felipe Pedrell
estudió armonía y composición a partir de 1884. Gracias al mecenazgo de Eduard
Condé viaja a París donde estudió con Charles Wilfrid de Bériot y compone
muchas de sus “Doce danzas españolas”. De regreso en Barcelona, participó en la
creación del Orfeó Catalá (1891). “Goyescas” (1911), para piano, se estrenó en
el Palau de la Música y lo consagró mundialmente con su estreno la sala Pleyel
(1914). Convertida en ópera, con textos de Fernando Periquet, se estrenó en la
Metropolitan Opera House de Nueva York en 1916, el mismo año de su muerte.
-OBRAS:
-María del Carmen:
Época:
finales del siglo XIX
Lugar:
una localidad rural en la provincia española de Murcia
Pencho,
un granjero, y María, están enamorados. Pencho ha herido al rico Javier en una
lucha sobre derechos del agua y ha huido a Argelia. Para
salvar la vida de Pencho cuando vuelve, María restaura la salud a Javier, para
descubrir que él también se ha enamorado de ella. La acción de la ópera empieza
con la vuelta de Pencho al pueblo. Este descubre, desilusionado que María se va
a casar con Javier para salvarle a él de la persecución. Pencho protesta que su
honor no puede tolerar tal sacrificio. Durante una fiesta en el pueblo hay un
enfrentamiento entre Pencho y Javier y los dos se muestran conformes en batirse
en duelo, lo que se convierte en el centro del tercer acto.
Al
acercarse el duelo, María se siente angustiada. Mientras que ella aún ama a
Pencho, siente amor por Javier y no desea verlo muerto. El padre de Javier
llega y sin éxito intenta convencer a Pencho de que abandone toda pretensión
sobre María. Javier aparece y el duelo va a empezar. Sin embargo, la tragedia
es impedida por la llegada del médico local, Don Fulgencio. Le dice a Domingo
que Javier está ya muriendo de tuberculosis y no se puede hacer nada para salvarlo. Javier se da
cuenta entonces de la inutilidad del duelo, se reconcilia con María y Pencho, y
los ayuda a escapar.
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